«Killer is Dead» – Cuando personal quiere decir otra cosa

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Killer is Dead
2013
Grasshopper Manufacture
PS3 (versión comentada), 360. A partir de mayo en PC

Como todas las etiquetas, la de indie es útil solo el tiempo que tarde tu público en darse cuenta de la cantidad de productos distintos, cada uno de su padre y de su madre, que estás metiendo en el mismo saco. Tan indie es Thomas Was Alone como Dear Esther. Guacamelee! y Minecraft. Geometry Wars y Journey. Si las discusiones sobre qué es un videojuego o las de si se les debe considerar arte no te han dado ya ganas de buscarte otra afición, la de dónde empieza y acaba lo indie puede ser la que termine de una vez por todas con lo que te quede de paciencia. Recopilemos: a veces se llama así a juegos paridos por equipos de desarrollo pequeños, pero no siempre es el caso. Otras es sinónimo de bajos presupuestos, trabajos experimentales o dirigidos a un público que la gran industria suele pasar por alto. Pero también es fácil encontrar ejemplos muy sonados que se pasan por el forro cuanta puerta se le quiera poner al campo. Aunque es fácil encontrar nombres propios asociados a los grandes lanzamientos (los hermanos Houser. Miyamoto, por amor de Dios), al final se suele llegar al acuerdo de que, hoy por hoy, indie es aquel juego de escala media-baja en que prevalece la visión autoral. Esta solución resulta cómoda por maleable: es difícil concretar los límites de algo que depende en gran medida de por dónde nos salga hoy el autor, así que el tiempo que nos ahorramos en discutir lo podemos invertir en jugar.

No seré yo quien se queje.

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Reseña – Service Games: The Rise and fall of SEGA

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Service Games: The rise and fall of SEGA
Sam Pettus
Puedes comprarlo aquí

Hubo una SEGA anterior a la desarrolladora resignada a producir juegos como mínimo solventes (y a menudo francamente meritorios) que conocemos hoy. Y antes de esa otra SEGA con las que muchos nos criamos, que sentó cátedra como gigante del hardware doméstico, contendiente habitual en las guerras eternas entre sistemas y símbolo de una manera muy concreta de entender el negocio, hubo todavía una tercera que no se apoyó en sistemas propios. Antes incluso de Master System, existió una SEGA primigenia muy parecida a la actual, que se hizo un nombre a fuerza de acumular juegos como mínimo solventes. De vez en cuando, alguno además meritorio.

Cuando se habla de la debacle de SEGA rara vez se discute la calidad de sus productos actuales, que no es en general poca. Donde antes había un Shenmue ahora hay un Yakuza, Virtua Tennis sigue acumulando entregas sin bajar el listón y Sonic… bueno, ahí a lo mejor sí se puede hablar de decadencia, pero lo que están haciendo con Sonic va a tener que venir otro a explicarlo. Sin embargo, no es un nuevo Shinobi lo que más echan de menos sus nostálgicos, sino esa época en que la posición de la compañía podía orientar a la industria en una dirección u otra. Los anuncios de nuevos aparatos que sacan los colores a la competencia, los piques de patio de colegio, la media sonrisa de condescendencia frente al vecino que se tiene que conformar con cualquier otra plataforma. Esos tiempos hace mucho que acabaron para SEGA, pero quizás nadie los eche tanto de menos como el pobre Sam Pettus, cuya rabia acumulada le ha empujado a escribir este mamotreto de más de cuatrocientas páginas.

Nintendo y Sony, caiga este ladrillo sobre vuestra conciencia.

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El juego del verano (III): Padre de familia, a summer story

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Uno de los efectos secundarios de que el videojuego sea ya la mayor industria mundial del ocio con permiso de la pornografía, es que proliferan los estudios sociológicos que básicamente pretenden mostrar a los consumidores de consolas como dementes zombies que blanden katanas por las calles. Sin embargo, existen también algunas reflexiones sociológicas acerca del cambio de rol vital y económico del usuario medio, cuya edad ronda los 38 años. Resulta que este “consumidor prototipo” que contribuye de manera firme al sostenimiento de la industria no es ya un adolescente hormonado sino un padre de familia atado a una empresa (en el mejor de los casos, y hoy día quizá ya de forma excepcional con tanta crisis) cuyo tiempo libre disponible empieza a tender dramáticamente a cero.

El verano se revela para los padres de familia con niños pequeños como un espacio de ocio extra donde poder arrancar momentos furtivos que dedicar a ese videojuego que se quedó en una estantería sin abrir (algo que por cierto va sucediendo cada vez con más frecuencia). De forma paradójica, esta ausencia de tiempo, los breves lapsos de tiempo recuperados entre pañales, biberones y papillas, propician una vuelta a los orígenes del videojuego. El arcade clásico (que es como decir “el videojuego clásico”) está asociado no sólo a una voluntad de entretener sino a una operación comercial del pasado: sacarnos los cuartos en un salón recreativo. En estos días en los que un emulador ya no requiere introducir moneditas y existen tantos recopilatorios comerciales, la perversión inicial de querer arruinarnos se transforma en la virtud más apreciable cuando el tiempo libre es un lujo:  la diversión intensa y fugaz, la partida breve, la esencia del videojuego condensada en un “Insert Coin” ya ficticio.

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Especial Luigi (I) – «Luigi´s Mansion 2»

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En esos primeros años de caracterización a brochazos, donde los personajes llevaban bigote porque era una manera rápida de individualizarlos y se podía pasar de carpintero en una entrega a fontanero en la siguiente sin que se diera (ni se pidiera) explicación alguna, Luigi era sencillamente el Mario que te tocaba si tenías la mala suerte de ser el hermano pequeño de la casa. Poco tiempo después, merced a una secuela que en realidad era un juego de una serie completamente distinta pero con un oportuno lavado de cara, Luigi desarrolló lo que sería su primer rasgo de identidad más allá del color del uniforme: el salto alto. No parece gran cosa (y de hecho no lo era. La seta sin nombre tenía un poder mucho más interesante), pero podía servir como principio. Solo que en ese principio se quedó estancado hasta prácticamente el día de hoy.

Claro, luego vinieron los juegos deportivos donde le sacaron novia. Aquel Luigi´s Mansion de tan grato recuerdo, donde descubrimos que le dan miedo los fantasmas. Y no ha habido más.
Ahora Nintendo ha llegado a la conclusión de que ya va siendo hora de saber más del fontanero-no-tan-estrella, y ha dedicado tres juegos seguidos a explorar su subconsciente, regresar a la mansión de sus desvelos y, sí, hacerle saltar muy alto. En Mondo Píxel los hemos jugado escrupulosamente, y después nos hemos tomado nuestro tiempo para preparar este especial donde comentarlos a conciencia. ¿Sabemos más de Luigi que hace doce meses? ¿Se ha agigantado su figura ante nuestros viejos y cansados ojos de jugadores talludos?

Psé. Algunos seguimos viendo más potencial en la seta.

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Game Over: How Nintendo Conquered the World – Reseña

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Game over: How Nintendo conquered the World
David Sheff
Vintage Press, 1994

Dice el refrán que las salchichas y las leyes son dos cosas que cuanto menos se sepa cómo se hacen mejor, pero parece que en Game Over: How Nintendo Conquered the World, el escritor David Sheff ha encontrado un negocio aún más tétrico y sanguinoliento si cabe: la venta de videojuegos. O al menos la venta de videojuegos como la entendía Nintendo durante los ochenta, unos años de hierro en que la industria había saltado por los aires debido principalmente a la incompetencia de los directivos de Atari, y que la casa de Mario reconstruyó a su imagen y semejanza al menos durante lo que duró la primacía de la NES.

Game Over pasa revista a esa época pretérita en que las consolas de videojuegos eran vistas como un mercado inestable y potencialmente ruinoso, donde los gigantes corporativos se estrellaban tras inversiones escandalosas a menudo enfocadas a lo transmedia y en la que Nintendo se hizo un nombre gracias en parte a sus decisiones desconcertantes y aparentemente suicidas. Ay, los ochenta, esos años que se fueron para nunca más volver…

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Mondo Vs. Píxel: (casi) todos contra New Super Mario Bros. 2

Golpeamos con una nueva entrega de nuestra sección Mondo Vs. Píxel, en la que dos o más redactores de este su blog favorito de videojuegos hacen públicas las opiniones, a favor o en contra, que sobre un juego amado u odiado han vertido (en ocasiones, a lo largo de muchos días) por nuestra lista de correo privada. Podría parecer que la propia naturaleza del medio limita nuestras intenciones al verse estas plasmadas en papel digital; cierto es que cuando la entrada es publicada, queda sensación de discusión zanjada… Y ni mucho menos. Baste apuntar que anoche, cuando el texto que ustedes se disponen a disfrutar se encontraba dado por terminado y en borrador, dos de los abajo firmantes aún estaban enzarzados en su batalla particular a prosa limpia sobre el aquello bien y el esto mal de New Super Mario Bros. 2. En resumen: nuestra sección Mondo Vs. Píxel intenta traducir a palabras el equivalente físico a un rodillazo en la entrepierna encaminado a poner punto final a un combate eterno. Lo que no quiere decir, igual que pasaría en el mundo real, que el luchador caído no vaya a levantarse agarrando sus cataplines doloridos con la siniestra mientras sigue repartiendo hostias con la diestra. Es posible, por tanto, que la discusión expuesta, iniciada pero no terminada en el artículo principal, se extienda hasta un poquito más abajo. Al fin y al cabo, somos los Mondo Píxel Smash Bros… Y todos somos Mondo Píxel Smash Bros: les invitamos a ustedes, queridísimos lectores, a que gocen del combate y participen en la pelea. Jaleen a su luchador favorito o golpeen dialécticamente a su menos favorito desde los comentarios; esto no es un nosotros contra el barrio, es un todos contra todos.

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«Uncharted: El Abismo de Oro» – Crítica

NOTA: Esta crítica de Uncharted: El abismo de oro tiene dos partes: Álvaro Arbonés se encarga de la crítica principal, y luego Adonías le da la réplica. Damos así en Mondo Píxel el pistoletazo de salida a Mondo Vs. Píxel, nuestras críticas a dos cabezas y cuatro manos, y casi nunca con la misma opinión.

Uncharted: El Abismo de Oro
SCE Bend / Naughty Dog
PlayStation Vita

Una de las constantes de la existencia humana es la pasión indómita por descubrir lo desconocido, todo aquello que nos resulta ajeno y no soportamos que siga siendo desconocido. Es por ello que la condición mistérica no será algo precisamente desconocido en el videojuego: la resolución de enigmas es una constante común desde los puzzles -la resolución de lo desconocido en su forma más literal y constante- hasta la tradición hoy ya casi extinta de los secretos coleccionables o los enemigos cuyas mecánicas específicas nos obligan a descubrir sus puntos débiles para derrotarlos; bajo toda mecánica de juego existe la condición de resolver el enigma de su funcionamiento, de tornar lo desconocido en conocido. El enigma y su resolución, lo oculto y el desvelamiento, son conceptos insertos de un modo tan profundo en nuestro código representacional que, prácticamente con necesidad, nos vemos conducidos a instaurarlos como pieza central de cualquier forma de creación humana. ¿Por qué? Porque nuestro cerebro está especialmente preparado para la formulación y resolución de problemas -siendo esto último algo que más de un redactor y lector de este blog podrán constatarnos de forma fiel a final de mes. Continuar leyendo ««Uncharted: El Abismo de Oro» – Crítica»